miércoles, 28 de febrero de 2007

Taller de rotulación en imágenes

Hoy iniciamos formalmente el taller de rotulación en clase a la par del desarrollo de la expresión gráfica rápida. Básicamente lo que dijimos para comenzar fue lo siguiente:

1) para aprender a rotular correctamente debemos partir del desarrollo manual de la tipografía que es la caligrafía. Podrá parecer muy elemental, pero, en la tipografía rotulada a mano o en la que es diseñada por computadora partimos de los mismos principios que manejamos en el colegio ¿les suena familiar esto de que "los trazos que suben llegan hasta la línea de arriba y los trazos que bajan llegan hasta la de abajo"?

En otras palabras, las letras minúsculas (o caracteres de caja baja) se inscriben entre dos líneas que llamamos altura x y las astas ascendentes de los caracteres deben llegar -por lo general- hasta la línea ascendente; mientras que los trazos descendentes deben ser limitados por la línea descendente. No obstante, no todos los caracteres tienen sus trazos ascendentes y descendentes limitados por las líneas de construcción, y esto se debe básicamente al concepto mismo de diseño y expresión de la tipografía, para dotarla de mayor soltura y expresividad.

2) la letra x ha sido asignada como elemento referencial para la construcción de minúsculas dado que está compuesta por trazos rectos (ortomorfos). Aquellos caracteres de astas curvas (o kirtomorfos) deben ser construidos ligeramente mayores a los de trazos rectos debido a que si los dibujamos todos del mismo tamaño, visualmente los curvos se verán más pequeños. Consultar esta sección del Taller de tipografía digital en Unos tipos duros.

3) hay muchas maneras de clasificar la tipografía, pero, de entrada nos conformaremos con saber que hay caracteres sin remate (palo seco o sans serif), como la Arial, Tahoma y Trebuchet y con remate, como la Times New Roman, Garamond y Bodoni.

4) en el ejercicio de hoy partimos del dibujo de una serie de caracteres organizados por el nivel de complejidad que implica su trazado en aumento: I, T, F, A, Y, X, K, R, B, O, G, Q. La fuente empleada fue la Futura Bk Bt.

En esta gráfica se pueden observar las líneas de construcción de los caracteres, primero caligráficos y luego correspondientes a la fuente Arial. Al final se aprecia la denominación de dichas líneas de construcción.

Esta imagen ilustra algunas fuentes tipográficas palo seco en la columna de la izquierda y con serif en la columna de la derecha.

Este fue el ejercicio que comenzamos a realizar hoy en clase y que ustedes deben llevar concluido en lápiz sobre hojas carta yuxtapuestas horizontalmente para el viernes. Ese día continuaremos el taller de rotulación.

Les dejo con imágenes de la clase de hoy, ¡se veían guapísimos trabajando!




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Libro recomendado hoy:

MEGGS, Philip: Historia del diseño gráfico.

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Lindinha (por cierto, ¡bienvenida!) tiene entre manos montar unas fotografías. Un poquito de paciencia hijita de mi vida que ya te explicaré como hacerlo. ¡Muchas gracias y saludos a tu mami! :)

Mis Foticos...

Hola a todos!
Aquí les dejo algunas fotos que tome en el transcurso del año 2006... escogí las que más me gustaron; las fotos fueron tomadas en Aruba, Curaçao, y aquí en Maracaibo... al ver las fotos se darán cuenta que me enfoco mucho en la playa, es mi lugar preferido...y perfecto para tomar las mejores fotos!!!

espero que las disfruten y hagan sus comentarios!!!

















La última foto la expuse en el MACZUL "Arte Unido 2006".
Bueno espero que hayan disfrutado las foticos... ¡saludos a todos!

martes, 27 de febrero de 2007

Expo Taller 2006


Como una iniciativa de los alumnos de Introducción a la composición (Taller I) del año pasado fue inaugurada ayer en la FAD la muestra Expo Taller 2006, la misma recoge lo mejor de la producción de esta cátedra durante estas primeras incursiones en el campo del diseño gráfico.

¿Qué pueden encontrar aquí? Algunos buenos ejemplos de material autopromocional (abajo en la base que parece una escalera), interpretación de una palabra (en el paralelepípedo negro que está al lado), identificadores personales (en la base negra más pequeña) y los patrones coordinados (sobre la pared).


En la imagen que sigue pueden ver aplicaciones de la fiesta temática (a la izquierda) y los carteles (en las bases a la derecha). Es una pena que las fotos no sean mejores :s


Una visita a esta sala puede darles un panorama muy claro de lo que será su experiencia durante este primer año en la Escuela de Diseño. Pero hay que apurarse porque la clausura está pautada para mañana en la tarde; además está para no perderse el diaporama que armaron los estudiantes, algunos de los cuales aparecen aquí:


Pero... ¿y cuál es la profesora aquí? jijijiji...


¡Felicitaciones a este increíble grupo! Han cosechado su primer éxito por sí mismos. Les deseamos una carrera llena de grandes ideas, tiempo perfecto y buena expresión para llevarlas exitosamente a cabo. ¡Bravo!

Dos entradas

Hola de nuevo, mis amores. Esta vez les tengo dos entradas que les pueden resultar útiles:

La primera es de el50, (un sitio que es además muy interesante dado que Ulises siempre nos tiene excelentes recomendaciones), Si Scott, Ilustrador y Diseñador “el secreto del dibujo, a través de ella podrán acceder al maravilloso trabajo de Si Scott, diseñador e ilustrador británico destacado por la soltura y elegancia de sus producciones hechas a mano ¿no me creen? pues entonces, vacílense el video que Ulises rescató en la entrada.

La segunda, Personalizando tu perfil en Blogger, no tan buena como la anterior (pero útil, eso sip) pertenece a Ilustremos... y les explica cómo configurar su cuenta de Blogger a quienes ya han aceptado la invitación para escribir en Diseñemos...

Es todo por ahora, nos vemos en clases ;)

lunes, 26 de febrero de 2007

Taller de rotulación. I parte

Parte de nuestro trabajo durante el primer año en formación como diseñadores gráficos es desarrollar destrezas manuales en la representación gráfica; estas pueden ser de índole geométrica (trazado medido y racional) y de carácter gestual (trazado natural y orgánico). Este pequeño taller se orientará a este primer sentido; para el grafismo libre dedicaremos otras entradas :)

Pero primero lo primero, hablemos para comenzar acerca de las condiciones de trabajo y los instrumentos de dibujo...


1) El tablero, la luz y la postura

Puede parecer obvio, pero no lo es. Si queremos lograr buenos resultados en el trabajo sin maltratarnos físicamente es importante que nuestro lugar de trabajo esté correctamente ventilado e iluminado. En la medida en que nos encontremos cómodos y en una buena posición nuestro rendimiento será mejor; si por el contrario trabajamos en un lugar poco iluminado, sometidos a ruidos molestos o con una mala postura, eventualmente nuestro cuerpo nos pasará factura y esto puede ser bastante molesto y hasta peligroso para nuestra salud.


Algunos consejitos al respecto:
  • si somos diestros, la fuente de luz debe encontrarse a nuestra izquierda; si somos zurdos -por el contrario- la fuente de luz deberá ubicarse a nuestra derecha. De esta manera evitaremos interponer nuestra mano entre la luz y el papel, lo cual generaría sombras que dificultan nuestra visibilidad sobre el trabajo.
  • nada es mejor que la luz natural, pero en caso de vernos en la necesidad de trabajar en la noche (lo cual es muy frecuente en nuestra carrera), lo ideal es trabajar con luz blanca fluorescente.
  • las manos limpias y los instrumentos limpios nos ayudarán a mantener el trabajo prolijo. También puede sernos útil la borrona.
  • el soporte debe ser liso y plano. Para mejores resultados lo ideal es fijar el papel a la mesa por sus extremos con tirro; la cinta adhesiva suele maltratar el papel al despegarse.
  • la manera ideal de trabajo es tener el soporte inclinado unos 30º o 45º, todo depende del tipo de dibujo que estemos realizando y de nuestra comodidad. Si el dibujo es grande, trabajar sobre un soporte horizontal puede resultarnos engorroso, incómodo y nos será más difícil mantenerlo limpio.
  • procura trabajar siempre en el mismo lugar y -en la medida que te sea posible- en el mismo horario. Esto contribuye a crear en ti hábitos de trabajo saludables, pero trata de que el tiempo que emplees sea razonable, no demasiado que te agotes mental y físicamente, ni tan poco que el tiempo de trabajo no te rinda. Puede ser muy positivo además que tomes unos minutitos para descansar por cada 45 minutos de trabajo, de esta forma refrescas tu mente y descansas tu cuerpo.

2) Los instrumentos


Instrumentos de la calidad son los mejores auxiliares de nuestro trabajo, dado que suelen ser más duraderos y su configuración más confiable. No obstante son por lo general bastante costosos, por ello les he dicho que si no tienen la posibilidad de adquirir buenos instrumentos de dibujo, procuren comprar algunos económicos, requerirán doble cuidado -dada su fragilidad y su posible configuración imprecisa- pero lo que sí es imprescindible es que cada uno de ustedes tenga sus propios instrumentos para trabajar cómodamente.

Estos son:

Escuadras. Son utilizadas para medir y trazar líneas rectas horizontales, verticales y diagonales. Combinadas con la regla T permiten trazar líneas paralelas, perpendiculares y oblicuas. Pueden venir graduadas en centímetros y milímetros. Las escuadras que se usan en dibujo técnico son dos: la escuadra de 45º que tiene forma de triángulo isósceles con ángulo de 90º y los otros dos de 45º y la escuadra de 60º llamada también cartabón que tiene forma de triángulo escaleno, cuyos ángulos miden 90º, 30º y 60º.


Regla T. Recibe ese nombre por su semejanza con la letra T. Posee dos brazos perpendiculares entre sí, siendo su brazo transversal más corto (este es el que se apoya en el tablero de dibujo). Se fabrican de madera o plástico. Se emplea para trazar líneas paralelas horizontales en forma rápida y precisa. También sirve como punto de apoyo a las escuadras y para alinear el formato y proceder a su fijación.


Regla graduada. Es utilizada para medir y trazar líneas rectas, su forma es rectangular, plana y tiene en sus bordes grabaciones en centímetros o en pulgadas, generalmente. Las más comunes son de madera o de plástico, siendo preferibles las de plástico transparente porque nos permiten ver las líneas que vamos trazando. Sus longitudes varían de acuerdo al uso y oscilan de 10 a 60 centímetros Las más usuales son las de 30 centímetros.


Plantillas de círculos y de curvas francesas. Ideales para empalmar trazos mediante curvas o elipses, o bien, dibujar círculos de diferente diámetro. Suelen ser de plástico. Las plantillas de círculos pueden ser graduadas en centímetros y milímetros además de indicar ángulos referenciales.


Curvilíneas o gusanos. Son bonísimas para auxiliar en el trazado de curvas y su mejor característica es que puedes ajustarlas según sea necesario, debido a que son sumamente flexibles. Son de plástico y también se consiguen graduadas.


Transportador. Utilizado para medir o transportar ángulos, suele estar fabricado en plástico y hay de dos tipos: en forma de semicírculo dividido en 180º y en forma de círculo completo de 360º (en la imagen). Los números están dispuestos en doble graduación para que se puedan leer de derecha a izquierda y de izquierda a derecha, según donde esté la abertura del ángulo.


Compás. Instrumento de precisión que se emplea para trazar arcos, circunferencias y transportar medidas. Está compuesto por dos brazos articulados en su parte superior donde está ubicada una pieza cilíndrica llamada mango por donde se toma y maneja con los dedos índice y pulgar. Uno de los brazos tiene una aguja de acero graduable mediante un tornillo de presión y una tuerca en forma de rueda. El otro brazo posee un dispositivo que permite la colocación de portaminas u otros accesorios. Vienen en cuatro tipos:
  • de pieza. Es el compás al que se le colocan accesorios de escritura.
  • de puntas secas. En sus extremos posee puntas agudas de acero y sirve para tomar o trasladar medidas.
  • de bigotera. Manitiene fijos los radios de abertura, la cual se gradúa mediante un tornillo o eje roscado. Es utilizado para trazar circunferencias de pequeñas dimensiones y circunferencias de igual radio. Es el que se muestra en la fotografía, el cual posee un prolongador de diámetro (brazo adicional de metal) y un adaptador universal de implemetos de escritura.
  • de bomba. Se utiliza para trazar arcos o circunferencias muy pequeñas. Está formado por un brazo que sirve de eje vertical para que el portalápiz gire alrededor de él.

Mesa o tablero de dibujo. Instrumento de dibujo sobre el cual se fija el papel para trabajar. Por lo general se construye de madera o plástico liso y de bordes planos y rectos lo cual permite el desplazamiento de la regla T. Su tamaño depende del formato que se vaya a utilizar, en los talleres de dibujo técnico, en lugar de tableros, se emplean mesas construidas solamente para esta actividad, con las dimensiones e inclinación necesaria.


Papel. Se trata de una lámina fina hecha de unas pastas de materiales distintos como trapos, madera, cáñamo, algodón y celulosa de vegetales. El papel es utilizado en todo el mundo para escribir, imprimir, pintar, dibujar y otros. Existen de diferentes tipos, tonos y texturas, pero en el dibujo técnico se utilizan dos clases:
  • papel opaco no es transparente, tiene varios tonos, desde el blanco al blanco amarillento. La cara donde se dibuja es lisa y brillante.
  • papel traslúcido es transparente. Es utilizado para dibujos o copias de planos a lápiz o tinta.

Lápices. Son esenciales para la escritura y el dibujo. Están formados por una mina de grafito y una envoltura de madera. Pueden ser de sección redonda o hexagonal. Para dibujar son mejores los hexagonales porque facilitan la sujeción entre los dedos y evitan que se ruede al dejarlos sobre la mesa de dibujo. El trazo que producen puede variar en función de la composición de su mina que viene en distintos grados clasificados por letras y números. Mientras más porcentaje de arcilla posee son más blandos y oscuros sus trazos; mientras más porcentaje de grafito posee son más duros y claros sus trazos. La H viene de la palabra hard que significa duro, la F significa firme y la B de black que significa negro. Los más duros son: 4H, 3H, 2H y H. Los intermedios son: HB y F. Los más blandos son: B, 2B, 3B y 4B.


Portaminas. También llamados lápices mecánicos o lapiceros, los portaminas son de metal o plástico y alojan en su interior la mina o minas que se deslizan mediante un resorte hacia afuera, para escribir o trazar. Las minas son de distinta dureza. Aventajan a los lápices en el dibujo técnico por el afilado de la mina y su resguardo. No obstante, no los recomiendo para el dibujo artístico o publicitario porque endurecen el grafismo.


Borrador. Las gomas de borrar se emplean para hacer desaparecer trazos incorrectos, errores, manchas o trazos sobrantes. Por lo general son blandas, flexibles y de tonos claros para evitar manchas en el papel. Antes de borrar debes asegurarte de que está limpia y si hemos de borrar partes pequeñas, trazos sobrantes o líneas cercanas, debemos usar la plantilla auxiliar del borrado de acero laminado.


Borrona. Goma pulverizada dentro de una almohadilla que se usa para eliminar del papel las partículas de grafito.

Tirro. Mediante este recurso se fija el papel al tablero sin maltratarlo, es diferente a la cinta adhesiva convencional, dado que ésta suele retirar algunas partículas de su superficie al ser retirada del papel.


3) Consideraciones finales

Toda esta lista de materiales puede variar en función de tus necesidades. Con dedicación y práctica puedes lograr muy buenos resultados con lo estrictamente básico: un par de escuadras, un compás, tres lápices de dibujo (1 duro, 1 medio y 1 blando), papel, tirro y borrador. Por supuesto que hay muchos otros materiales, pero su uso depende de ti.

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Algunas fuentes de textos e imágenes empleadas en esta entrada
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¡Bienvenidos JoSy@rte y sonr.isa!

domingo, 25 de febrero de 2007

Algunos trabajitos

Estoy consciente de que este blog es para discusiones referentes al diseño y composición, pero le pedí permiso a la profe de poner esto aqui y me autorizó!! así que allí les va..

aquí están los enlaces para que vean algunos de mis trabajos en video

El 1ro es un cortometraje basado en la historia de uno de esos e-mail's tan reenviados que se vuelven anónimos.

Este otro es un documental sobre la identidad cultural y forma de ser del maracucho, está en dos partes, véanlas en orden

Gózenlos!! y porfa dejen sus comentarios!!!

viernes, 23 de febrero de 2007

¿Por qué bocetar?


La pregunta tal como está me parece que alude a dos cosas: la construcción del infinitivo con su correspondiente conjugación y las razones por las cuales es positivo desarrollar la práctica de realizar bocetos.

La primera la recordarán de esta mañana, cuando me preguntaron:
- profe, ¿por qué no le gusta que digamos bocetear?
- porque es como si dijéramos bostecear.
Por extraño que nos suene, lo correcto es decir bocetar o abocetar. Es la construcción en infinitivo de esta acción que corresponde a la elaboración de bocetos. El castellano -para beneficio nuestro- no es tan caprichoso como otras lenguas y es bien claro en la mayoría de sus construcciones, con muy pocas excepciones a la regla.

La segunda requiere de una reflexión bastante más profunda acerca de esa condición de la que hemos hablado en clase: la planificación. Cuando abocetamos estamos organizando la maraña de ideas que se agolpa en nuestra mente y -sin duda alguna- verlas bien expresadas gráficamente nos puede dar un panorama bastante acertado de lo que será la concreción de nuestro trabajo de diseño.

El valor del boceto es innegable. También hoy vía Isopixel me topé con esta estupenda entrada homónima en la Página de Bata. Si tienen tiempo y ganas, pónganse cómodos, mis hijos, y dedíquenle unos minutos porque sé que les dejará unas cuantas ideas positivas flotando por ahí ;)

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¡Bienvenida andRë!

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Actualización: por si aún quedan dudas, en este conjugador de verbos en español pueden introducir los verbos bocetar, abocetar y bocetear; les puedo adelantar que en el tercer caso les dirá:
"No existe el verbo bocetear. Por favor, compruebe la ortografía."
Lo correcto sería, entonces, para (a)bocetar:
  • yo (a)boceto
  • tú (a)bocetas
  • el/ella (a)boceta
  • nosotros (a)bocetamos
  • ellos (a)bocetan
Actualización II: mi amigaza Jéssica Tsoi nos ha recomendado gentilmente más material a favor del boceto, totalmente imperdible:
El bocetado es un trabajo de hormiguita, practiquen mucho y guarden todo. Con el tiempo notarán la diferencia y agradecerán el esfuerzo que le han dedicado al enriquecimiento de su capacidad de expresión gráfica.

Algunas aplicaciones del diseño

Continuando con nuestro acercamiento al diseño y al diseño gráfico, hoy estuvimos conversando acerca de los fundamentos del diseño y las posibles aplicaciones de éste en el campo laboral. Lo que dijimos en primera instancia fue algo como esto:
  • todo diseñador debe sustentar su quehacer profesional en tres principios: la ética, la estética y la técnica.
  • La ética, en esencia referida al deber ser, implica una (co)responsabilidad para con el producto de nuestro trabajo, considerando los intereses de nuestro cliente tanto como los de los potenciales usuarios del producto o servicio en cuestión. Este es un tema muy debatido por cuanto hay quienes opinan que el diseñador no debe tener ética. Pero en la actualidad se ha despertado una conciencia acerca del rol del diseñador en el plano ecológico y en el campo de la usabilidad.
  • La estética, entendida más allá de la belleza como la preocupación del diseñador por complacer los sentidos de los usuarios. Habría que recordar en este apartado que la estética originalmente era comprendida en su sentido de aisthesis, en tanto que ligada a las impresiones sensoriales; pero durante el siglo XVIII, adquirió implicaciones más cercanas a los sentimientos. Para entonces, Alexander Baumgarten irrumpió con una nueva visión del término que separó las nociones de bondad y belleza. ¿Recuerdan que dijimos que desde la antigüedad grecorromana se concebía a lo bello y a lo bueno como un todo?
  • La técnica, la cual aborda el dominio de tres aspectos fundamentales: materiales, tecnología y estructura constitutiva. Ello varía considerablemente en función de cada aplicación del diseño.
  • como bien lo dice Raúl Belluccia: "Aproximándonos a la realidad se advierte que no todos los diseñadores hacen lo mismo, y que bajo el paraguas común del “diseño” se cobijan profesionales con idoneidades de tal diversidad que sus prestaciones no son intercambiables.". [vía] Pese a esto, cada diseñador -independientemente de su área del diseño- tiene en común la planificación, el adelantarse a, ese sentido de designio o predestinación que ya hemos considerado (y que seguiremos abordando en futuras oportunidades).
  • sabemos que existe el diseño arquitectónico, cuyo objeto es la planificación de edificaciones; el diseño urbanístico, relativo a la planificación de las ciudades; el diseño industrial, concerniente a la producción de objetos de consumo de carácter tridimensional; el diseño gráfico, dedicado a la comunicación visual (bidimensional) de productos y servicios; el diseño de indumentaria, también conocido como diseño de modas; el diseño textil, orientado en esencia a la creación de telas...
  • para mayor información, les recomiendo explorar este artículo de la Wikipedia acerca del diseño, que tiene buenos enlaces a contenidos relacionados y a teóricos del diseño.
En relación con nuestro campo, el diseño gráfico, hoy comenzamos a estudiar algunas aplicaciones en el campo laboral; tales como:
  • diseño editorial, orientado a los sistemas de impresión (litografía, xerografía, grabado...) a través de los cuales se obtienen recursos físicos que han recibido tratamiento de entintado, corte, plegado, entre otros. Incluye la producción de libros, revistas, boletines, desplegables, manuales, carteles, gigantografías...
  • diseño de identidad, relativo al desarrollo de los recursos a través de los cuales una persona natural o jurídica se presenta ante el mercado; incluye logotipo, emblema, papelería, uniformes, piezas de comunicación interna y externa...
  • diseño audiovisual, aquel en el cual se conjugan diferentes recursos (imagen, texto, video) en un mismo medio, tales como el cine, la televisión y la Red (videos y animaciones en Internet).
  • diseño multimedia, similar al audiovisual en tanto que implica la combinación de distintos medios, pero con la condición sine qua non de que exista interactividad, es decir, que le ofrezca al usuario la posibilidad de tomar decisiones e intervenir en el desarrollo del recurso. Hay dos tipos básicamente: on line (web) y off line (CD-ROM).
  • diseño de señalética, correspondiente a la planificación de los recorridos e identificación de espacios en edificaciones. Se diferencia de la señalización, por cuanto esta última está ligada a espacios urbanos (externos).
Estas fueron las que vimos hoy, y por supuesto que hay mucho más que decir ¿qué crees que nos faltó abordar?

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Asignaciones para la próxima clase
  1. Leer el artículo La cuarta posición de Roberto Doberti, y en emitir su opinión -a favor o en contra- al respecto en una cuartilla (un texto desarrollado en una hoja tipo carta).
  2. Llevar los materiales para iniciar el taller de rotulación.
¡Bienvenidos k1emens_ y Λиđяèš!

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Actualización: me olvidaba del diseño de tipografía que también lo abordamos hoy; pero sólo alcanzamos a mencionar que para diseñar fuentes se debe considerar no sólo a la fuente en sí misma (intrarrelaciones), sino además la relación entre caracteres (interrelaciones).

Actualización II: Linda me recordó que también hablamos del diseño de empaques (Packaging) referido en nuestro caso más a la gráfica del empaque que al empaque mismo, lo cual es competencia del diseñador industrial. ¿Dónde tengo la cabeza? ¡Gracias Lindinha!

Bocetando...

Que me diga algún profesor que pase por aquí que este no es el grupo que querría encontrarse al llegar al salón:



No era que estaban castigados... sólo tuve que pedirles que al llegar (sin importar si yo estaba allí) se instalaran a dibujar; porque de esa manera, con práctica y constancia desarrollarán un buen trazo y tendrán la soltura necesaria para expresar sus ideas como comunicadores visuales.

¡Qué suerte tengo de estar compartiendo con ustedes sus primeras experiencias en la escuela de diseño!

miércoles, 21 de febrero de 2007

Marcadores, bocetos y diseño

El día de hoy la clase se dividió en dos partes, una primera dedicada a la expresión manual y la segunda, a introducirnos en lo que es el diseño.

Marcadores y bocetos

Calentamos los motores explorando el portafolio de ilustraciones viejito que preparé para concursar como preparadora en Técnicas de Expresión, por allá por el 2000 (algunas imágenes están en mi portafolio en línea). Las observaciones más importantes radicaron en los siguiente:
  • hay que aprovechar el color y la textura del soporte en el cual dibujamos.
  • nadie nace sabiendo dibujar, si bien se requieren aptitudes para desarrollar una buena expresión gráfica, también se necesita muuuuucha práctica.
  • la primera media hora de cada clase se la dedicaremos al bocetado, haya o no haya llegado el profesor... o sea, yop ;) ¿qué dibujar? tus zapatos, tu mano, tu vecino, tu bolso... cualquier cosa que se te ocurra. Eventualmente, el cuaderno de bocetos será evaluado.
  • es muy interesante experimentar con soportes oscuros, tratando de sacar las luces en lugar de las sombras, como estamos acostumbrados.
  • olvidarse del miedo, evitar las patas de gallina en el trazo, y no temerle a cometer errores; estos también pueden verse muy bien y darle al dibujo un aspecto libre y espontáneo.
Una vez aclimatados a la clase y habiendo dejado atrás la pereza que nos dejó el carnaval, nos deleitamos por espacio de una hora con el fantástico trabajo de Adolfo Gutiérrez. Vimos unas cincuenta muestras de su producción como ilustrador. De él aprendimos que:
  • el marcador es una técnica que nos permite desarrollar bocetos y artes finales de calidad muy rápidamente.
  • es necesario tomarse unos segundos para planificar el trabajo que vamos a hacer; por ejemplo, para determinar cuáles son las zonas del papel que vamos a reservar para las luces.
  • el marcador no debe repasarse una y otra vez. Las zonas de color deben construirse con trazos yuxtapuestos, evitando el solapamiento no controlado: primero definimos la base (más clara), luego los medios tonos y finalmente las zonas oscuras o más saturadas.
  • se debe evitar dejar el marcador destapado porque se evapora la tinta y se seca el fieltro... lo que irremediablemente dañará el marcador.
  • los marcadores se deben guardar en posición vertical.
  • podemos trabajar en detalle algunas zonas de la composición y dejar otras inconclusas; esto le da un sentido poético de gran expresividad a la ilustración.
  • el diseñador gráfico y el ilustrador no deben preocuparse por tener un estilo definido, lo cual puede limitar su capacidad creativa. La producción de Fito es una muestra clara de unidad en la variedad; no hay manera de encasillarlo, pero la calidad de su trabajo le hace reconocible.
  • hay diseñadores gráficos que pueden desarrollar un estilo y vivir de éste, pero son casos excepcionales. Hay excepciones que confirman la regla como David Carson, por ejemplo.
  • no es necesario tener grandes habilidades como dibujante para ser diseñador o ilustrador; pero, indudablemente, esto nos facilita en gran medida expresar y registrar nuestra ideas.
  • el escorzo (como éste de Fito) es una manera de representar las cosas en perspectiva que le da al dibujo una fuerza visual muy atractiva. No es fácil de lograr, pero es muy interesante estudiarlo.
  • los creyones o lápices de colores son un recurso cuya técnica de expresión debe ser preferiblemente el tramado, como en esta fantástica ilustración de Fito, o en ésta de mi esposo José con sólo cuatro tonos: amarillo, azul, rojo y negro. Para aplicar color plano es preferible utilizar acrílico, plaka, pintura al frío u otro recurso húmedo que lo permita.
  • Fito es una persona muy accesible. Si alguno de ustedes desea contactarlo no se necesita más que visitar su blog y dejarle un comentario, de seguro les atenderá con gusto como lo ha hecho amablemente con Jessi y conmigo.

Diseño, arte y comunicación

Sobre la base de las lecturas de Foroalfa iniciamos una discusión acerca de lo que es el diseño y su relación con el arte y el proceso de comunicación. La misma fue de carácter introductorio porque estaremos hablando de este tema a lo largo de este primer año. ¿Qué dijimos? Básicamente esto:
  • la palabra diseño -según Andrés García, fundador del PDG- proviene del vocablo designio, que significa predestinación astral; con esto se alude a que el diseño es una disciplina de la comunicación visual que implica planificación.
  • como diseñadores debemos considerar toda interacción posible del usuario con el objeto que vamos a desarrollar. En este sentido es imperioso tener presente tanto los sentidos del sujeto como sus posibles limitaciones (físicas como el daltonismo, la ceguera o la falta de audición) o condiciones particulares (edad, sexo, nacionalidad, acceso a tecnología, entre otros).
  • las aplicaciones del diseño pueden ser muchas y muy diferentes entre sí: gráfico, industrial, de indumentaria, textil, arquitectónico, urbanístico, etc. Pese a esta diversidad, lo único que tienen en común es el hecho de que está implícita la planificación. Para más información, consultar ¿Qué hacen los diseñadores cuando diseñan? de Raúl Bellucia.
  • el diseño -según Andrés García- está sustentado en tres fundamentos: la ética, la estética y la técnica. De ellos hablaremos más adelante.
  • en materia de diseño hay muchos temas en debate: que si el diseño es arte, que si el diseñador debe tener estilo, ¿qué es el diseño? si el diseño tiene fines propios... personalmente considero que no será posible llegar a un acuerdo unánime en estos temas controversiales, puesto que cada quien puede asumir una posición ante estos temas y ello no implica un error. Por el contrario, lo importante es conocer estos debates y, eventualmente, tomar partido, sin quitarle mérito a lo que opinan nuestros contrarios.
  • básicamente lo que dijimos hoy acerca de la diferencia entre el diseño y el arte radica en la necesidad; la cual, mientras que para el artista es interna, para el diseñador es externa. Más adelante seguiremos maduranto esta idea.
  • en el proceso de diseño interviene el modelo comunicativo, y como comunicadores visuales debemos estar al tanto de esta realidad.
  • sabemos que para que se produzca la comunicación debe hacer intercambio de información; es decir que en ocasiones el emisor será receptor y viceversa.
  • sabemos que en todo acto comunicativo hay un emisor (productor del mensaje), un receptor (quien recibe el mensaje) y un mensaje (que es la información). Modelo de R. Jacobson.
  • todo proceso de comunicación se da lugar a través de un canal, con un código común y en función de un referente.
Ufff... creo que no se me escapa nada de la clase de hoy. ¿Me ayudan si se me olvidó algo?

martes, 20 de febrero de 2007

Nada como los marcadores de Fito


Dado que mañana comenzaremos con nuestro plan de bocetado de media hora, me pareció buena idea invitar a uno de los ilustradores venezolanos que -sin duda- mayor admiración se merece: Adolfo Gutiérrez, también conocido cariñosamente como Fito.

Gentilmente, Fito nos ha respondido las siguientes dudas:

1. ¿Cómo te iniciaste en el uso de los marcadores?

Mis comienzos con el marcador fueron en Avon, aunque ya les conocía, pero no les había tomado muy en cuenta; fue en mi ingreso en Avon cuando empecé a trabajar esta técnica o mejor dicho este material. Los trabajos o bocetos eran enviados a Estados Unidos, concretamente a New York, donde en la sede principal de esta empresa eran revisados y enviados de vuelta con las acotaciones de los directores de Arte de Nueva York, esos parámetros venian de allá en cuanto a que los bocetos se realizasen con marcador, era mas práctica y fresca su terminación, estos bocetos se realizaban sobre un papel especial marca Fabriano, este papel tenía la característica de que no chupaba tanto el color y no traspasaba el papel.


2. En tu opinión, ¿Cuáles son las ventajas de usar marcadores en el bocetado?

Las ventajas son varias: puedes trabajar con rapidez, con limpieza, puedes lograr transparencias de un color sobre otro y combinarlos, y logras una frescura increible y espontaneidad, pero hay que trabajarlo bajo el concepto del marcador trazos planos y primero colores claros y luego los medios y al final los más oscuros para lograr el volumen, un truco es usar un trozo de papel vegetal o croquis y restregar o dar trazos de color en él; eso servirá de paleta luego pasando otro marcador este se impregna del color que esta en el papel y logras matices. Por ejemplo, si estás trabajando un rostro o la piel das el color base con carne claro o flesh, y luego con ese carne sacas un poco de marrón claro u otro color que de las sombras de la carne que previamente está impregnado en el papel.


3. ¿Qué tipo de marcadores y soportes recomiendas?

Yo recomiendo los marcadores Design (que son importados) y habían unos excelentes de nombre Concept pero creo que estan descontinuados, yo conservo algunos en la oficina. El papel recomiendo los blocks especiales para marcador que tienen la caracteristica que te he comentado jeje si te digo algo todos estos materiales son a precio de oro, si es que se consiguen, el block tiene que decir for marker, el papel bond chupa mucho, el color se expande y los marcadores te los gasta muy rápido al absorver tanto color.



4. ¿Recomiendas el uso de los marcadores en la producción de artes finales?

En los artes finales si se pueden usar, yo he realizado ilustraciones con marcadores que luego han sido reproducidas en litografía su efecto como te dije es muy fresco y espontáneo, no hay que tratarlo como un pincel o un lápiz restregando o dando reiteradas pasadas; se aplican capas sueltas dando el volumen.

Mira este tiene los brillos en los frascos con témpera, y tiene toques de creyón, pero la base principal es marcador, ya por último recortaba las fotos y se las pegaba, ya estan muy viejitos pero los conservo con gran celo, aqui tienes un buen material de referencia, fijate que yo por poco tiempo di clases en el Instituto de Diseño DARIAS aqui en Caracas, pero me asignaron dibujo básico sólo grafito y lo más elemental, ahí hubiese tenido yo un buen material para enseñar, se me olvidaba, los bocetos son todos o casi todos temas de maquillaje porque estos los hice en mi estadia de 10 años en Avon Cosmetics de Venezuela, tambien estando en Avon fui enviado a New York a un seminario alli estuve 15 dias y realice varios bocetos como plan de entrenamiento.

5. ¿Sabes de algún recurso gráfico por computadora que simule el efecto de los marcadores?

En Photoshop hay pinceles que dan ese efecto, (¿te acuerdas la negra que tengo en el blog? tiene cierto efecto de marcador).


6. ¿Qué consejos y trucos le darías a alguien que se inicia en la técnica?

El truco principal es el que te comenté usando este papel croquis, albanene o vegetal como paleta ahí se pueden mezclar los colores como una paleta de oleo, sacando tonalidades pero el marcador, debe estar fresco ya que se secan con el frecuente uso, y algo muy importante es que si se quedan destapados aunque sea unas horas se secan y ya no funcionan debido a que el color es volátil. Es importante tenerlos parados en un dispensador de marcadores o en un pote grande y bien tapados.


(Supongo que a estas alturas estarás enganchado(a) al igual que yo con este talento venezolano. Si quieres encontrar más de su producción, puedes visitar su espacio en Drawspace o bien, mantenerte al día en su blog. Todas las imágenes pueden visualizarse en detalle haciendo click sobre ellas... aquí unos bocetos legendarios).

¡Muchísimas gracias, Fito! Me han dado unas ganas locas de armarme de marcadores y comenzar a experimentar ;) Para finalizar dos ilustraciones más recientes hechas en marcadores:



En esta imagen noten, mis hijos, que las luces están dadas por el blanco del papel que se ha reservado para tal efecto. Con la práctica y la experiencia aprendemos a planificar estos detalles que le dan vida y credibilidad al trabajo.


Una de las cosas más interesantes en este caso, a mi modo de ver, radica en la soltura del trazo y la combinación de manchas gruesas con secciones dibujadas finamente. Para no perderse está el detalle de los medios tonos en el rostro y la corbata.

viernes, 16 de febrero de 2007

Segunda clase: diseño y diabetes

Para serles totalmente honesta, la respuesta que recibí de su parte esta mañana frente a los artículos de Foroalfa me dejó gratamente sorprendida. Los percibí como un grupo entusiasta e identificado con la carrera que han escogido y confío plenamente en que ustedes serán -más temprano que tarde- diseñadores gráficos exitosos, innovadores y conscientes de su papel en la sociedad. Eso me alegra mucho.

¿En qué quedamos hoy?

  1. En primer lugar, nos hemos planteado un nuevo reto con la materia. A partir del miércoles (y hasta nuevo aviso) la primera media hora de la clase será dedicada al abocetado o bocetado (nunca digan bocetear delante de mí, por favor). Para ello, todos llevaremos un block, cuadernillo u hojas blancas con algún recurso de apoyo y lápices o carboncillo con limpiatipos para borrar.
  2. En segundo lugar, no dejaremos la puerta del salón abierta... ya saben por qué, jejeje ;)
  3. En tercer lugar, cada uno de ustedes buscará una buena definición de diseño para que la discutamos el miércoles.
  4. En cuarto lugar, recuerden llevar respondida la práctica sobre los artículos de Alfredo Yantorno, Raúl Belluccia, Reinaldo Leiro y André Ricard. ¿Un consejo? Traten de leer para ese día los artículos que ustedes no leyeron.
El próximo miércoles, luego de la sección de abocetado, discutiremos los artículos que nos faltaron y trataremos de crear nuestra propia definición de diseño. El viernes la clase será desde las 7.30 hasta las 9.00 am, porque el resto del día los profesores nos reuniremos a discutir la propuesta para el nuevo plan de estudios de la escuela.

Ya se les quiere, mis hijos, y se les admira por su entusiasmo. Espero verlos el miércoles descansados y bellos y con el concepto de diseño dándoles vueltas por esa mente brillante que tienen.

¡Felices días de asueto! Muak!

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Libros recomendados hoy en clase:
  • FOGES, Chris: Papelería e Identidad. corporativa.
  • MURPHY, Paul: Creatividad. electrónica Proyectos reales de diseño gráfico: del informe a la solución final.
  • ZAPATERRA, Yolanda: Tipografia Proyectos de Tipografia Reales: Del Briefing al Resultado Final.

miércoles, 14 de febrero de 2007

La primera clase

Hoy miércoles tuvimos nuestro primer encuentro y me alegra decir que fue bastante provechoso; asistieron casi todos mis treinta estudiantes (excepto por Mirelis, Daniela, Nervis, Ana, Eiliver y María).

¿Qué hicimos? Principalmente conversamos acerca de:
  1. el programa de la materia. (Ver entrada anterior)
  2. las características de la evaluación. Será contínua. Cada clase y cada práctica será evaluada; para entregar un trabajo final se debe haber cumplido con el proceso de diseño; se considerará no sólo el avance en el desarrollo de los trabajos y el cumplimiento de sus determinantes, sino además, los rasgos de la personalidad (puntualidad, asistencia, respeto, responsabilidad).
  3. las normas de la clase. Las clases son los miércoles y viernes en el aula C-08 de 7.30 a 10.00 am. Se dará un margen de 15 minutos para la llegada al salón, pero transcurrido este lapso se considerará impuntual la irrupción de cualquier persona al salón. De igual manera se considerará inoportuna la salida del salón antes de culminada la hora de clase. En cada clase deben llevarse los materiales de trabajo* y debe trabajarse en el aula. TODOS LOS TRABAJOS DEL TALLER I DEBEN SER ELOBORADOS MANUALMENTE, sin excepción.
  4. la profesora, su formación y algunos detalles personales. Esta información pueden encontrarla en mi sitio web, en la sección Sobre.
  5. los estudiantes, sus intereses y expectativas sobre la carrera. Esta fue mi sección favorita de la clase porque nos permitió comenzar a conocernos un poco. La mayoría ha pasado por lo mismo: su familia no mira con buenos ojos la decisión de estudiar diseño gráfico... ya les demostraremos a todos que la elección ha sido la ideal y la más prometedora :)
La experiencia hasta ahora ha resultado bien positiva. Espero que la última entrada de este blog, correspondiente al cierre de la materia sólo tenga buenas noticias y agradables experiencias que recordar. Buena suerte a todos mis queridos nuevos alumnos :D

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Materiales de trabajo recomendados:
  • regla de 30 cm y escuadras.
  • plantillas de círculos y/o de curvas.
  • tirro.
  • cola (Rubbert Cement, UHU, Pritt o silicón frío...).
  • plantilla de corte (o cartoncito para cortar sin dañar la mesa).
  • X-acto (para cortar).
  • papel bond tipo carta.
  • papel traslúcido.
  • marcadores finos y gruesos.
  • lápices de dibujo (puede ser H, B y 2B, por ejemplo).
  • creyones.
Libros recomendados:
  • SCOTT, Robert: Fundamentos del Diseño.
  • WUCIUS, Wong: Fundamentos del Diseño.

martes, 13 de febrero de 2007

Una breve ojeada al programa

Composición gráfica (taller I) es una asignatura eminentemente práctica. No obstante, se manejan en ella algunos contenidos que apoyan los de la cátedra Teoría de la Forma.

Los talleres en el Programa de Diseño Gráfico (PDG) de LUZ tienen la duración de un año. Particularmente el taller I contempla lo siguiente:

  • Unidad I. Conceptos generales del diseño. (Valor 20%). Es una unidad introductoria en la cual discutiremos acerca de lo que es el diseño, su relación con otras disciplinas afines, su función social y el ejercicio profesional. También realizaremos ejercicios prácticos, tales como: un taller de rotulación; aproximación a la tipografía, creación de identificador personal y su manual de usos. La unidad se evaluará a través de las prácticas (continua), un examen y la entrega del manual de usos (incluyendo las propuestas del identificador personal).
  • Unidad II. Los elementos visuales. (Valor 15%). Ya en materia, abordaremos los elementos visuales (punto, línea, plano, forma, figura, textura, valor, color, espacio y tiempo) como parte de las variables estéticas de la forma (figura, color, valor, textura). Durante el desarrollo de esta unidad realizaremos múltiples ejercicios de composición bien delimitados y finalmente realizaremos la interpretación gráfica de dos palabras opuestas (dicotomías).
  • Unidad III. Principios de diseño. (Valor 15%). Abordaremos en esta parte recursos visuales de composición, tales como la repetición, el ritmo, variedad, economía de elementos, el equilibrio, el acento y la jerarquía. Las prácticas estarán orientadas al desarrollo de tres ejercicios de síntesis que luego serán empleados en los patrones coordinados a partir de un elemento antropomórfico, uno zoomórfico y una figura en movimiento.
  • Unidad IV. El proceso de diseño. (Valor 15%). En esta fase abordaremos el desarrollo del proceso de diseño y sus métodos. A partir de las síntesis realizadas anteriormente se propondrán dos composiciones de patrones coordinados.
  • Unidad V. El proyecto gráfico. (Valor 35%). Al final del semestre se llevarán a cabo varios ejercicios cortos: diseño de cartel, diseño de un recurso autopromocional, diseño de una etiqueta para productos de exportación, y el diseño de una serie de piezas para una fiesta temática. También se llevará a cabo una investigación denominada 'Expo-Década', a través de la cual por equipos de trabajo se abordarán el contexto e hitos de una década determinada del siglo XX.
Todo esto se llevará a cabo desde febrero a octubre de 2006... bastante ambicioso ¿eh?

sábado, 10 de febrero de 2007

Taller virtual

Esta pequeña bitácora nace como una alternativa virtual a las clases de Taller I para mis queridos alumnos que apenas dan sus primeros pasos en su formación como diseñadores profesionales.

Aquí podrán encontrar material de apoyo para las clases y tener a mano las indicaciones para resolver las asignaciones de la cátedra... si se animan, también podrán ser parte del equipo colaborador de Diseñemos.

¡Manos a la obra!